Каменская художница Анна Медведева поделилась секретом успеха и дала советы начинающим мастерам

Сегодня мы представим вам известную каменскую художницу, за плечами которой городские выставки, дипломы и победы в конкурсах. Штрих за штрихом, мазок за мазком — её картины приобретают глубину, звучание и, в итоге, душу. Анна Медведева творит настоящую магию!

В интервью она рассказала нам о себе, об источниках вдохновения, а также поделилась секретами с начинающими мастерами.

— Анна, для начала расскажите о себе.

— Я родилась в 1991 году. В 2008-ом окончила школу. А годом ранее с отличием завершила обучение в художественной школе, где училась с огромной любовью. Именно с неё и начался мой (более серьёзный) творческий путь.

— Когда впервые возникла мечта стать художником?

— С раннего возраста, как только научилась держать в руках карандаш. Всю бумагу дома тратила на рисунки, в садике никогда не расставалась с альбомами и красками. Так меня захватывало это увлечение!

— Расскажите о своих первых шагах на этом пути. Поделитесь достижениями.

— В 11 лет поступила в художественную школу. Во время обучения активно участвовала в разнообразных выставках (международного, всероссийского и областного уровней). Имею множество дипломов разных степеней. В том числе, диплом первой степени от французского посольства (за конкурс художественных работ по тематике французских сказок французских писателей). Также, художественной школой я была выдвинута на премию «Ученик года» и заняла призовое место. А ещё была заявлена на всероссийский конкурс, после которого попала в список энциклопедии «Одарённые дети России».

— Какие картины вы рисуете? Основная идея вашего творчества.

— Да как у всех: добро, любовь. Банально, но это самое главное.

Очень люблю писать портреты. Потому что, когда ты пишешь портрет человека, ты невольно проникаешь чуть дальше, чем просто во внешность, ты погружаешься в глубину человеческой души. Даже пытаешься как-то разобраться в ней. По взгляду, по чертам лица пытаешься понять, что это за человек.

— Ваше творческое направление.

— Мне интересно всё: цветы, пейзажи, животные, люди, стихи, чувства… В творчестве нет такого, на чём бы я зацикливалась, потому что мир многогранен.

Мне интересно пробовать что-то новое. Это развивает меня. К примеру, писать цветы — это одно ремесло, писать портреты — другое (здесь даже другие знания необходимы). В картинах мне интересно не просто передать схожесть, а показать состояние человека. Не люблю постановочные портреты (руки сложены, смотрит в камеру). Когда человек с живой мимикой и эмоциями — это гораздо интереснее. Особенно мне, уловить всё это взглядом художника и нарисовать.

То же самое и с пейзажами. Пейзаж — безумно интересное направление в искусстве, когда ты передаёшь состояние природы (пасмурно, солнечно, туман). В жанре пейзажа вообще нет границ — ни в цветах, ни в настроениях, ни в погодных условиях (сегодня так, а завтра иначе). Если ты будешь рисовать одно и то же дерево, оно всегда будет у тебя получаться по-разному, потому что каждый день не похож на предыдущий.

— Любимые художники, ставшие для вас творческими ориентирами.

— Конечно, это наши мастодонты. Такие, как Клод Мане, Ван Гог, Репин, Левитан, Айвазовский… Просто невозможно смотреть на этих художников и не вдохновляться. К примеру, взгляните на те масштабы работ и точность рассеивающегося солнечного луча сквозь сосновые ветки у Шишкина. Завораживает!

У Репина большое количество портретных работ. Удивляет точность передачи состояния человека в тот момент, когда он его писал, мимика лица, света. Настоящая магия! Восхищает эта естественность в работе, не стилизованность, а реалистичность. Нет того слащавого перебора, популярного сейчас среди многих художников — фотографичное рисование. Среди таких работ, порой невозможно отличить рисунок от фотографии. Мне же такое не близко.

Люди возможно расценят это как зависть. Но на самом деле, если сравнивать эти современные фотографичные работы с такими великими художниками, которые жили в XVIII — XIX веках, то меня подобный стиль не трогает за душу. Всё-таки хочется чувствовать руку автора, его почерк. А под такими чёткими работами его не чувствуешь. Бесспорно, они талантливы, но нет мастерства автора, мазка, характера. А ценность работы, как мне кажется, из этого и складывается.

— Какой стиль живописи вам наиболее близок?

— Вдохновение черпаю в импрессионизме (уж очень близок мне этот стиль). Восхищает формат работ, в которых творили импрессионисты — живой, непосредственный, смелый, без рамок.

Когда смотришь на художников, которые завоевали себе имя во всём мире, у них можно бесконечно учиться, даже просто, разглядывая их работы. Интересно изучить и понять, как можно за счёт двух-трёх мазков нарисовать кувшинку или что-то ещё. Работы всемирно известных мастеров — это самая настоящая «энциклопедия без слов» для человека, который погружён в искусство.

— На ваш взгляд, как начинающему художнику найти свой стиль?

— Чтобы найти свой стиль, нужно бесконечно пробовать, рисовать и не бояться. Потому что бывает такое, например, ты изучил акварель, достиг в ней какой-то степени совершенства, а маслом ты никогда не работал. А это же тоже интересно — другая форма, другой стиль мазков. Да и подход к работе абсолютно меняется, от этого и картины совершенно другие получаются. Для того, чтобы себя найти, нужно просто не останавливаться.

Считаю, что художнику скучно работать лишь в одном стиле. У мастеров должен быть какой-то свой «почерк», свой подход к творческому процессу. А уже воплощение (реализация) может быть хоть в каком стиле, хоть в каких материалах. К чему душа в данный момент лежит, так и делать. Потому что, один и тот же портрет можно нарисовать абсолютно разным.

А сейчас, тем более, люди достаточно активно заказывают эти портреты: кто-то в стиле поп-арт, кто-то в классическом исполнении. Кому-то нравится обычная карандашная графика, а кому-то по вкусу смешанные техники. Поэтому, загонять себя в рамки чего-то одного — неверно.

— Расскажите о вашей технике. С какими материалами предпочитаете работать?

— Долгое время рисовала акварелью. Порой смешивала и дорабатывал её цветными карандашами (если требовалось). И рисовала только лица. Находила какие-нибудь колоритные азиатские, либо африканские черты и творила.

Увлекалась долгое время портретами. Сейчас переключилась на акрил, на декоративные интерьерные работы. Но, если требуется, могу нарисовать не только портреты, но и пейзажи. И всё что угодно.

— Помните свою первую картину?

— Самая первая картина? Вообще, с детства любила рисовать русалок.

А первая картина, с которой я участвовала в выставке — «Урал — кузница победы». Я изобразила семью: мать с детьми шила военную форму своим сыновьям-солдатам.

— Когда вы поняли, что стать художником это уже не просто ваша мечта, а призвание?

— С детства поняла, что быть художником — моё призвание. Что-то другое меня не очень-то и увлекало (пожалуй, кроме вокала). Рисованием я горела с детства и всегда мечтала стать дизайнером. Другого пути для себя даже не рассматривала. Это был порыв из самого сердца. Детские мечты и стремления — они самые искренние и настоящие.

— Расскажите о вашем образовании и первой работе в творчестве.

— Поступала я в Уральский Государственный Горный Университет на специальность — «Художественное проектирование ювелирных изделий». По образованию я — дизайнер ювелирных изделий.

По окончании учёбы жила и работала в Екатеринбурге: рисовала и разрабатывала дизайны, отстраивала их в 3D-программах. И сейчас мои изделия кто-то носит.

— Существует стереотип, что творческая профессия это не стабильно. Вас не отговаривали близкие от избранного пути?

— В девятом классе мама пыталась направить мои интересы в сторону медицины. Но она сильно не настаивала на том, чтобы я стала врачом, давала право мне самой выбирать свой путь. Поэтому, каких-либо препятствий я не встретила. А у меня даже не было сомнений в творческой профессии, я всегда была уверенна в своих силах, умениях, стремлениях и желании.

— Где ваши источники вдохновения?

— Вдохновение беру откуда угодно. Могу даже во сне увидеть какую-то интересную идею, которая потом воплотится в работу. Либо иду по улице: хорошее настроение, музыка в ушах, мимо проходит какая-нибудь неординарная личность. И вот, пазлы складываются, возникает идея. Например, какой-то образ, который потом рисую. Либо вижу какой-то необыкновенный цветок, на который падают лучи солнца.

От кино можно отлично вдохновиться. Но чтобы фильм был глубоким, красивым, от хорошего режиссёра и с не менее хорошим актёрским составом.

— Расскажите немного о процессе создания картины. Вот возникла идея, а дальше?

— Возникает идея. Бывает, что фиксирую её на листке бумаги, как эскиз. А дальше предстоит работа с цветом и формой. Но не всегда сразу возможно понять в каком бы стиле я хотела написать эту работу. Акварелью, акрилом, цветными карандашами? Или это будет графическая работа? То же самое и по стилистике: в классическом направлении или стилизовать? Это всегда следующий этап вдохновения. Бывает, возвращаюсь к этим эскизам, которые откладывала и происходит озарение.

— Какое количество времени уходит на создание картины?

— Всё зависит от материала, формата и настроения. Можно и за день, можно и за два нарисовать. На некоторые работы может уйти и две недели. В зависимости от такого, какое количество времени есть возможность на неё потратить. Творю достаточно часто. Есть много начатых работ. Рисую регулярно, но могу и неделю не притрагиваться к карандашам. В зависимости от загруженности повседневными делами.

— Сталкивались с творческими кризисами?

— Творческие кризисы бывают. Например, если это касается профессиональной техники, то просто упражняюсь, пока не почувствую и не разберусь в том, как должен лечь мазок. Только так кризис и преодолевается.

А иногда пытаешься разобраться, откуда он у меня вообще взялся, этот кризис? Бывает, даю себе время просто выдохнуть, ищу источники вдохновения, наполняюсь.

— Расскажите о ваших выставках.

— Моя первая профессиональная выставка прошла в ноябре 2019 года в библиотеке семейного чтения.

Вторая выставка прошла в январе 2020 года. Я принимала участие в 57-ой городской художественной выставке, где были представлены разные художники города и области.

— Многие начинающие художники задаются вопросом о том, как же организовать свою выставку. Поделитесь секретом.

— Я раньше тоже задавалась этим вопросом, а оказалось всё очень просто. Когда ты только начинаешь, когда тебя ещё никто не знает, а средств у тебя никаких нет, то можно выставляться в библиотеке. Библиотека — то место, куда приходят много разнообразных людей. Разноплановая аудитория: как дети, так и взрослые, пенсионеры. И люди всегда могут посмотреть на твои работы, познакомиться с тобой, как с художником.

Затем, можно уже отправляться в выставочный зал и узнать о том, какие выставки проводятся в ближайшее время, можно ли в них принять участие и что для этого нужно. Конечно, у каждых площадок свои требования к данному вопросу.

Также, бывают выставки-продажи, которые проводятся в Екатеринбурге. Там возможно арендовать для себя «кусочек» площадки и развесить на нём свои работы. Такие выставки посещают любители искусства. Так, есть возможность не только себя показать, но и что-то продать.

Участие в выставках — это необходимость для художника (чтобы его знали).

Также, есть социальные сети, где ты можешь не только публиковать свои работы, но и рассказывать о себе и своём творчестве. Но тут ещё вопрос в том, как привлечь аудиторию на свою страничку.

— А что можете сказать по поводу монетизации творчества? К сожалению, это не всем удаётся.

— Я в этом плане тоже начинающий. Раньше как было? Через сарафанное радио. А на сегодняшний день, заходя в Инстаграм, видишь множество страниц, на которых люди публикуют своё творчество, продают картины. Для некоторых это основной источник дохода. А для творческого человека — это мечта — когда ты на 100% отдан любимому делу и за него ещё получаешь неплохие деньги.

Да, это сложно. С появлением социальных сетей, рынок стал перенасыщен. Каждый художник, который сейчас есть в Инстаграме, предлагает какую-то свою «фишку», привлекая аудиторию на свою страницу.

Здорово рисовать просто для души, что тебе нравится. И, конечно, всё равно надо быть населенным на потребителя, на ту аудиторию, которая на тебя подписывается. Необходимо дать понять заказчику, что конкретно ты предлагаешь, чем ты отличаешься от всех остальных.

У художника должен быть какой-то свой личностный подход к клиенту. Тут важно услышать человека. Потому что, когда покупатель просит нарисовать определенные цветы, ты должен нарисовать цветы. Но ты можешь предложить какие-то свои авторские «фишки», что-то добавить. Но это не должно выходить за рамки представления клиента о том, как должна выглядеть картина. Тогда искусство будет продаваться.

— Если не секрет, поделитесь творческими планами.

— Стараюсь планомерно организовать свои заказы. Хочу, чтобы моё творчество лучше монетизировалось. Чтобы приносило радость не только мне, но и в материальном плане тоже себя оправдывало. Что ещё? Планирую и дальше развиваться, участвовать в выставках. Есть такая голубая мечта — выставляться за границей.

— Вы не планируете проводить мастер-классы?

— Мастер-классы? Да, есть у меня желание попробовать себя в качестве педагога, чтобы делиться своими знаниями, «фишками», обмениваться опытом с людьми.

Любой человек, пока ещё не продвинутый в творчестве, имеет более свежий, «не замыленный» взгляд. И у таких людей тоже многому можно научиться.

— Где наши читатели смогут познакомиться с вашим творчеством?

— В моём Инстаграме https://instagram.com/medvedeva34